예술가의 몸

현대 미술계의 극찬을 받은 혁신적인 시리즈 <테마와 운동>, 그 두 번째 책!

현대의 신체 예술을 총망라한 책, 『예술가의 몸The Artist's Body』은 영국 파이돈 출판사의 <테마와 운동> 시리즈로서, 우리나라에서 『미술과 페미니즘』이 2007년 8월에 발간된 데 이어, 두 번째로 출간된 책이다. 이 책은 20세기의 <예술가들은 어떻게 몸을 다루었는가> 하는 주제 의식 아래에서 <몸이 어떻게 예술을 이끌었는가> 하는 예술 운동의 흐름을 한눈에 파악할 수 있도록 해준다. 여기에는 예술가의 몸뿐만 아니라 그 몸을 통해 가능한 모든 행위들로 이루어진 해프닝, 이벤트, 퍼포먼스 등이 포함되어 있다.

1960~1970년대 세계적인 반전 운동과 함께 <억압적인> 것들로부터 해방되고자 했던 문화 운동의 흐름 속에서, 현대 미술계 또한 억압과 금기를 깨고 새로운 현대 미술의 장을 열고자 하였다. 그리하여 인간에게 있어 가장 사적인 실재인 <몸>을, 인류의 문화와 역사 속에서 <억압>과 <금기>라는 틀 속에 갇혀 있던 <몸>을 공중에 적나라하게 드러냄으로써 현대 미술은 한 차원 진보한 인간에 대한 탐구를 실험하게 된다. 결국 현대 미술의 핵심적인 표현 매체이자, 현대 미술의 근간을 관통하는 미학이며, 20세기 예술 운동의 치열한 현장 그 자체가 바로 예술가의 <몸>이 된 것이다. 당시 대부분의 예술가들은 <몸>과 관련된 주제들을 탐구했고, 그들의 작품 세계의 기초를 마련하였다. 뿐만 아니라 당시의 이러한 <몸>에 대한 탐구는 오늘날 현대 미술의 폭발적인 성장의 기틀이 되었다. 독자들은 이 책을 통해, 현대 예술 분야에서 세계적인 명성을 자랑하는 예술가들이 1960~1970년대에 작업한 귀하디귀한 작업들을 만날 수 있게 될 것이다.

특히 우리가 쉽게 접할 수 없었던 작품들과 그 충격적인 이미지들, 국내에서 번역된 적이 없었던 글들이 수록되어 있기에, 그 어떤 책과의 비교도 거부한다. 실제로 『예술가의 몸』이 출간된 뒤 영국과 미국의 언론들은 책의 구성과 내용 면에서 찬사를 아끼지 않았으며, 20세기 가장 혁명적인 예술 시리즈로서 『아트 먼슬리Art Monthly』는 <≪테마와 운동≫ 시리즈는 20세기 후반 예술사에 새로운 장을 열었다>라고 평가하였다.

현대 미술의 핵심적인 표현 매체이자, 현대 미술의 근간을 관통하는 미학이며,
20세기 예술 운동의 치열한 현장 그 자체가 바로 예술가의 <몸>이다.

오랜 세월 동안 예술가들은 인간의 형태를 드로잉하고 조각하고 그림으로 그려 왔다. 그러나 최근 미술사는 몸에 대한 예술가들의 인식에 중요한 변화가 있음을 밝히고 있다. 작품의 단순한 <내용>으로 사용되었던 몸이 캔버스, 붓, 프레임, 그리고 (행동의) 기반으로서도 사용되기 시작한 것이다. …… 20세기의 정신 분석학, 철학, 인류학, 의학, 과학 분야의 영향력 있는 발전이 반향을 일으키면서, 안정되고 유한한 형태의 육체적이며 정신적인 자아의 개념은 점차적으로 침식되었다. 예술가들은 몸의 일시성, 우연성, 불안정성을 연구하였고, 정체성이 고유의 성질로 존재하기보다는 문화적 경계 안팎에서 <행동으로 나타나는> 것이라는 관념을 탐구하였다. 그리고 의식이라는 관념을 탐구해 오면서, 보이지도 않고 형태도 없고 발아 단계에 있는 자아를 표현하기에 이르렀다. 이들은 모험, 두려움, 죽음, 위험, 그리고 성적인 것들에 대한 문제를 제기하였고, 때로는 이로 인해 몸이 위협받기도 하였다.
-- p. 11
현대 예술가들은 캔버스 속에 갇혀 있던 작품들을 해방시켰다. 그들은 직접 거리로 나오고, 노래를 부르고, 걸어 다녔다. 소위 <예술 작품>이라고 불리던 것들의 틀을 깨어 버렸다. 그 결과 현대 미술에서는 예술가의 몸이 곧 예술이 되기도 하고, 그 몸을 통해 가능한 모든 행위들이 예술이 되기도 하였다. 즉, 예술가의 모든 행위뿐만 아니라 예술가 자체가 미술 작품이 된 것이다.
현대 미술의 예술성 개념은 예술가라고 하는 존재에서 비롯된다. 예술가들은 이러한 개념을 비웃고 그것을 희화하기도 했으며, 또는 신이 만물을 창조하듯 스스로를 창조자로 규정하고 신격화하였다. 때로는 모더니즘의 견고한 데카르트적 주체 개념에서 빠져 나와, 자신의 성(性)을 바꾸어 표현하거나 과격한 행동주의적 신체 예술을 보여 주는 등 몸의 물질적, 사회적, 역사적 개념에 천착하게 된다. 이러한 예술가들의 인식 변화는 1960~1970년대 유럽과 미국의 정황 및 전 세계적인 문화 운동의 흐름과 맞물려, 예술가들은 그 어느 때보다도 파격적이고 진보적인 작품들을 쏟아 냈다.
이들에게 금기는 없었다. 가장 사적이고 치명적인 존재, 몸. 현대 미술가들은 보디 페인팅, 문신, 피어싱, 난절뿐만 아니라, 주신제를 치르듯 희생제, 입문 의식, 할례 등, 그 눅눅하고 습하고 어둡고 깊은 <그곳>을 모두 드러냈고, 혼절 직전의 유희를 즐기기도 했다. 결국 이들은 인간이 가진 가장 원시적이며 오랜 역사를 지닌 예술 매체(몸)를 통해, 가장 현대적인 미술을 추구하였음을 알 수 있다.
이탈리아의 큐레이터이자 저술가인 레아 베르지네는 <표현의 수단으로 몸을 선택한 것은 《억압된》 어떤 것을 다루기 위한 시도이며, 이것은 결국 몸을 둘러싼 모든 나르시시즘과 관련된 외면적인 체험으로 귀결된다>(p. 18)고 말한다. 인간에게 가해졌던 모든 억압을 벗어던지고자 했던 그 처절한 몸짓, 그것이 바로 <신체 예술>이다.

예술가와 저술가 200여 명의 핵심 작업 및 프로젝트,
<신체 예술>을 대표하는 주요 작품 300여 컷의 도판,
인터뷰, 작가의 말, 선언문, 비평가들과 철학자들의 평론 및 문화 철학적 텍스트 90여 편!

『예술가의 몸』은 크게 몸을 중심으로 한 예술 작업의 전개 과정을 한눈에 보여 주는 <개관>, 마르셀 뒤샹의 자화상 조각, 이브 클랭의 신체를 이용한 드로잉 작업, 요제프 보이스의 행위 예술, 헤르만 니치의 제의 의식 퍼포먼스, 마리나 아브라모비치의 퍼포먼스, 안토니 곰리의 신체를 이용한 조각, 백남준의 비디오 퍼포먼스, 구사마 야요이의 누드 사진 작업 및 모마에서의 해프닝, 스텔락의 행위 이벤트 등등, 그 외에도 브루스 나우먼, 피에로 만초니, 폴 매카시, 아나 멘디에타, 모리 마리코, 모리무라 야스마사, 로버스 모리스, 오토 뮐, 니키 드 생팔, 신디 셔먼, 비토 아콘치, 프란체스카 우드먼, 앤디 워홀, 밥 플래너건, 모나 하툼에 이르기까지 그들의 주요 작품을 도판과 함께 설명하는 <작업>, 작가의 말, 인터뷰, 평론 등 작업의 이해를 도와주는 텍스트인 <기록>, 이렇게 세 부분으로 구성되어 있다.