여인의 초상과 누드, 영혼을 넓혀주는 핑크빛 색채
아마도 여성만큼 예술 작품에 커다란 영향을 미치는 존재도 없을 것이다. 한마디로 문학, 음악, 미술 등과 같은 예술 작품에서 여성은 창조의 근원이자 영감의 원천인 것이다. 베아트리체가 있었기에 단테의 <신곡>이 탄생할 수 있었고, 클라라가 있었기에 슈만의 <여인의 사랑과 생애>라는 작품 또한 탄생할 수 있었던 것이다. 피카소만 해도 솔직히 그 사실에서 벗어나지 못한다. 기실 그에게 올가 코클로바, 마리 테레즈, 프랑수아즈 질로, 자클린 로크 등의 여성이 없었다면, 과연 그가 현대미술의 총아가 될 수 있었을까.
사실 서양미술의 역사를 들여다보면 화가들에게 있어 여성이라는 존재는 자연이라는 존재와 더불어 회화의 영원한 오브제였다. 그런 만큼 수많은 화가들이 여성의 얼굴과 몸에 주목하면서 그것을 어떤 식으로 표현할까 노력을 기울여 왔다. 그와 같은 노력은 그림의 양식이나 기법, 그리고 색채 표현의 발전을 가져왔고, 그에 따라 여성의 존재도 화가의 화폭에서 다양한 상상력의 모습으로 구현될 수 있었다. 이를테면 신화 속의 여신이라든가, 성서 속의 성녀라든가, 문학 작품 속의 여인이라든가, 그렇지 않으면 마치 살아 있는 현실 속의 여인 등으로 말이다.
무수히 많은 화가들이 여성에 대한 그림(초상화이든 누드화이든)에 천착한 이유 중에는 모르긴 몰라도 눈을 즐겁게 하기 위한 목적도 있었을 것이다. 다비드도 말하지 않았던가. “미술이란 자연을 가장 아름답게, 완벽하게 모방하는 것이며 미술 작품의 목적은 눈을 즐겁게 해주는 것”이라고. 심지어 르누아르는 거기에 한술 더 떠 “만약에 여인의 유방과 엉덩이가 없었다면, 나는 결코 그림을 그리지 않았을 것이다.”라며 여인의 누드라는 테마에 화가의 일생을 걸기까지 할 정도였던 것이다.
그런 점에서 “모든 예술 작품에는 에로틱함과 신성함이 뒤엉켜 있다.”고 한 미술 사학자 루이스 스미스의 말은 아주 유효하다. 결국 모든 예술 작품 속에는 인간의 가장 원초척인 욕망, 곧 ‘에로틱함과 신성함’이 언제나 숨 쉬고 있다는 뜻이기 때문이다. 이 책에는 그처럼 여성의 이중적 아름다움에 심취한 화가들의 열정이 낳은 작품 100점이 소개되어 있다. 대다수가 미술사의 관점에서 중요하다고 인정받는 유명한 작품들이다. 그래서인지 이 작품 속에 담긴 여인들은 하나같이 여성 특유의 육체적인 매력을 물씬 풍기면서도 조금도 야비한 데가 없고, 저속에 빠지는 법도 없으며, 높은 예술적 감각과 맑고 풍려한 색채로 순수하게 형상화되어 있다.
이 책에서 우리는 자신의 작품이 모두에게 위안이 되기를 꿈꾸는 화가의 섬세한 손길을 느낄 수 있다. 또 그 시대를 아우르며 열정적 삶을 살았을 여인들에게 상상적인 색채감을 더한 화가의 내면을 엿볼 수 있다. 나아가 화가가 그토록 열망했던 색채의 완벽한 질서와 미적 감각이 어떻게 표현되고 있는가도 확인할 수 있다. 그럼으로써 우리는 이 아름다운 작품들 속에서 발산되는 ‘영혼을 넓혀주는 핑크빛 아우라’를 절로 체감하게 될 것이다.
― 시대를 읽는 아이콘으로서 여성 초상화 작품
미술 작품(그림)은 인류의 탄생과 그 맥을 같이 한다. 자연히 미술 작품은 어떠한 형태로든 역사를 담고 있으며, 그 시대의 정신과 풍속을 반영하게 마련이다. 이 책에서 소개하고 있는 미술 작품이 비록 여인에 대한 초상화일지라도 결코 예외가 아니다. 그 점은 조형예술과 회화사에서 고대 그리스?로마 시대, 중세 시대, 르네상스 시대의 여성이 저마다 어떻게 다르게 표현되었는지 살펴보기만 해도 쉽게 이해할 수 있다.
고대 그리스.로마 시대에는 여성에게 관대했다. 하지만 금욕적인 중세 시대에 접어들면서 성(性)에 대해 적대적인 태도를 취했고, 이 시대에는 성경과 관련된 인물이 아닌 여성을 그린다는 것은 불가능한 일이었다. 그러다 르네상스 시대에 이르러 고대 문화를 재발견하고 육체에 대한 고전적 이상이 부활함에 따라 신화적 형상을 빌려 여성을 표현할 수 있게 되었다. 그 후 섹슈얼리티와 관능의 관련성에 대해 사람들은 새롭게 생각하기에 이르렀고, 이러한 경향은 유럽 회화의 모든 중심 국가에 적용되면서 널리 퍼져 가기 시작했던 것이다.
이 책은 그런 발전 과정들을 세세하게 성찰하고 있다. 이 책에 펼쳐 놓은, 각 시대를 대변하는 여성 초상화 작품이 내뿜는 시도와 모색을 통해 우리는 역사와 미술이라는 관계의 망을 다시 한 번 촘촘하게 살필 수 있을 것이다.
― 여성 초상화 작품의 예술사적 특징과 경향 알기 쉽게 정리
미술 작품은 한 시대와 지역을 대표하는 상징적 의미로 해석되기도 한다. 곧 시대와 환경을 이해하는 척도로 활용되는 것이다. 르네상스 시대 이후부터 여성의 섹슈얼리티라는 주제는 여러 세기를 거쳐 이어지게 되었다. 바로크와 로코코 시대를 거쳐 고전주의, 낭만주의까지 이어졌고, 비더마이어 시대와 인상주의가 주도한 회화의 변혁에 의해서도 계승되었다. 그리고 상징주의와 아르누보, 표현주의, 네오리얼리즘을 거쳐 1960년대부터 중요한 예술운동이 된 팝아트로 계속 발전했다. 당연히 여성의 초상화도 그와 비슷한 경로를 밟는다. 여기에서도 동일한 스타일의 초상화가 예술사의 발전 과정에서 확인되는 것이다. 이 책은 그처럼 고대 로마 시대의 벽화에서 바로크와 로코코를 거쳐 고전주의, 인상주의, 아르누보, 표현주의, 초현실주의, 팝아트 등 실험 정신과 동시대적 감성이 두드러지는 작품에 이르기까지 그 작품이 갖고 있는 예술사적인 특징과 경향에 대해서 일목요연하게 설명하고 있다. 그런 점에서 이 책은 미술의 역사와 흐름을 이해하는 지침서로 활용되기에 전혀 손색이 없다.
― 여성 초상화 작품에 깃든 숨겨진 이야기나 다른 정보도 많이 소개
그림에도 보는 법이 있다. 그림이란 아는 만큼 보인다는 말이 있지만, 보는 만큼 알 수 있는 비밀이 숨겨져 있다고도 한다. 그 작품에 대해서 얼마나 시대적 배경과 사전 지식을 알고 있느냐에 따라서 작품의 가치가 그만큼 달라질 수도 있다는 것이다. 이 책은 각 작품에 대해서 그 당시의 시대적 배경, 모델이 되었던 여인에 대한 정보, 모델과 화가와의 관계, 화가의 개인적 내력, 그리고 자신이 그린 작품이 사회에 끼친 파장 등을 자세하게 전해준다. 그럼으로써 그 작품에 보다 쉽게 다가가고, 보다 쉽게 이해할 수 있게 거리감을 줄여준다.
그런 점에서 이 책은 그림을 보는 법과 감상하는 법을 동시에 알려주는 훌륭한 입문서라고 할 수 있다.
― 회화 변방국의 화가와 여성 초상화 작품도 함께 실어
흔히 미술 하면 우리는 조건반사적으로 유럽의 회화 중심 국가나 미국의 유명 화가와 미술 작품들을 떠올리기 십상이다. 그런 만큼 동유럽은 물론이고 아시아, 아프리카, 남아메리카 등의 화가나 미술 작품에 대해선 잘 알려져 있지 않다고 해도 과언은 아니다. 하지만 이 책은 폴란드, 체코, 헝가리, 루마니아, 라트비아, 리투아니아, 에스토니아 등의 화가들과 미술 작품들도 소개하고 있다. 그와 더불어 일본, 중국, 인도, 남아프리카공화국, 브라질, 호주 등에서 소장하고 있는 미술 작품들도 놓치지 않고 함께 소개하고 있기도 한다. 솔직히 미진한 점이 없진 않으나 그럼에도 불구하고 이 책이 내세울 만한 미덕이다. 이른바 유럽의 회화 중심국과 미국 일변도로 치우치지 않고 나름 균형을 맞추려고 노력한 점은 평가할 만하다.
참고적으로 이 책의 구성은 그림들을 예술사의 기준에 의해서 체계적으로 분류한 것이 아니라, 소장한 박물관이 있는 나라별로 분류하고 있다는 것을 밝힌다. 아마도 이 책이 여행객들이나 예술에 관심 있는 사람들이 진품을 직접 볼 수 있는 곳, 즉 이 시대 최고의 미술관에서 세계에서 가장 매혹적인 여성의 초상화를 관람하는 데 도움이 되기를 바라는 편집자의 마음일 것이다. 그런 의미에서 이 책의 자매도서인 '세계에서 가장 아름다운 미술관 100'을 함께 비교해서 읽어볼 것을 권한다. |
![[중고] 세계에서 가장 매혹적인 그림 속의 여인 100](https://image.aladin.co.kr/product/409/95/cover150/8971292806_1.jpg){kind=small}
